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Lieux, écoles, mouvements (Partie II)


Comprendre les mouvements et les styles artistiques est essentiel pour apprécier l'art et célébrer la diversité et la richesse de la culture artistique d'un pays. Les mouvements artistiques ressemblent un peu à des périodes de l’histoire de l’art où les artistes partagent des idées et des techniques communes. Ils travaillent ensemble pour créer des œuvres d’art qui reflètent leur vision du monde. Les styles artistiques, quant à eux, sont des caractéristiques esthétiques que l’on retrouve souvent dans les œuvres d’art d’une époque et d’un lieu donnés. Les styles artistiques sont souvent associés à des mouvements artistiques plus larges comme l’impressionnisme ou le cubisme. En découvrant les mouvements et les styles artistiques, nous pouvons mieux comprendre l’évolution de l’art et les influences qui l’ont façonné. On peut aussi plus facilement distinguer les idées et les techniques utilisées, ainsi que les contextes dans lesquels les œuvres ont été créées. Dans cette deuxième partie, nous explorerons quelques mouvements européens et américains significatifs qui ont marqué l'histoire de la peinture au XXe siècle.

 

Impressionnisme

Ce terme est probablement le plus connu dans le monde et, pour la plupart des gens, il est associé au peintre français Claude Monet. Mais qu’est-ce que l’impressionnisme et d’où vient ce nom ?

Ce mouvement artistique est apparu au XIXe siècle en France, principalement dans les années 1860-1870. Il s’est développé en réaction aux styles artistiques dominants de l’époque, notamment l’académisme, qui prônait des règles strictes et des techniques de peinture traditionnelles.

Les impressionnistes accordaient une grande importance à la façon dont la lumière se reflète sur les objets et modifie les couleurs. Ils peignaient « en plein air », c'est-à-dire directement dans la nature, utilisant des touches de couleurs pures et vives pour capturer les variations de la lumière naturelle à différents moments de la journée.

En utilisant une palette de couleurs vibrantes et intenses, souvent appliquées par traits juxtaposés plutôt que de mélanger les couleurs sur la palette, ils visaient à exprimer la sensation de couleur plutôt qu'à représenter les objets de manière réaliste.

Contrairement aux sujets nobles et idéalisés de l'académisme, les impressionnistes ont choisi de représenter des scènes de la vie quotidienne, telles que des paysages, des rues animées, des activités de loisirs et des moments de la vie urbaine moderne.

Parmi les artistes impressionnistes phares, on peut citer Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro et Berthe Morisot, entre autres.

Dadaïsme

Ce mouvement est apparu au début du XXe siècle, principalement pendant la Première Guerre mondiale. Il a été créé en réaction aux horreurs de la guerre et aux valeurs traditionnelles de la société de l’époque. Dada est souvent considéré comme un mouvement anti-art, contestataire et avant-gardiste qui visait à remettre en question les normes et les conventions de l’art et de la société.

Le terme « Dada » est souvent considéré comme ayant des origines incertaines et imprécises, reflétant l’absurdité et l’irrationalité qui caractérisent le mouvement. Les artistes dadaïstes ont utilisé l'humour, la satire, la provocation et le non-sens pour remettre en question les conventions artistiques et sociales de leur époque. Ils ont utilisé toutes sortes de matériaux et de supports, tels que des collages de coupures de journaux et de magazines, des assemblages de différents objets, créant des associations d'idées inattendues.

Les artistes clés associés au mouvement Dada incluent Hugo Ball, Raoul Hausmann, Tristan Tzara, Hans Arp, Hans Richter, Marcel Duchamp, entre autres.

Surréalisme

Le surréalisme est un mouvement artistique et littéraire apparu dans les années 1920, principalement à Paris, en France. Quelques années plus tôt, les artistes du mouvement Dada avaient cherché à définir une culture alternative basée sur l'irrationnel. Cette idée a été reprise par les surréalistes et poussée plus loin dans leur expression artistique.

Le surréalisme se caractérise par une approche artistique qui cherche à explorer et à exprimer des états de conscience au-delà de la réalité, en mettant l'accent sur le subconscient, les rêves et l'imagination. Ils ont utilisé des éléments fantastiques et symboliques dans leurs œuvres pour créer des mondes surréalistes et énigmatiques. Des associations d'idées inattendues et surprenantes se forment en juxtaposant différents objets ou éléments, donnant lieu à des images étranges et troublantes qui défient la réalité conventionnelle. Les surréalistes abordaient souvent des thèmes tels que la critique sociale et politique, la sexualité, les désirs et les impulsions humaines de manière provocatrice et subversive.

Parmi les principaux artistes surréalistes figuraient Salvador Dalí, René Magritte et Max Ernst, entre autres.

Expressionnisme

Apparu à la fin du XIXe siècle en Allemagne, ce mouvement se caractérise par une approche émotionnelle, subjective et expressive de la représentation artistique, mettant l'accent sur les émotions. Les artistes expressionnistes cherchent à exprimer leur perception du monde de manière viscérale et souvent exagérée, plutôt que de viser une représentation fidèle de la réalité objective. Ils utilisent des couleurs vives, des formes déformées, des contrastes saisissants et des gestes expressifs pour explorer des thèmes tels que l'anxiété, la solitude, la marginalité, la condition humaine, les émotions intenses et les conflits sociaux. Les artistes expressionnistes notables incluent Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Franz Marc, Egon Schiele et Otto Dix.

 

Fauvisme

Le fauvisme est un mouvement artistique qui s'est développé en France au début du XXe siècle. Il se caractérise par l'utilisation audacieuse et expressive de couleurs vives et intenses, ainsi que par la simplification des formes et la distorsion de la réalité.

Le terme « fauvisme » apparaît en 1905. Au Salon d'Automne de cette année-là, les tableaux de plusieurs jeunes artistes sont regroupés dans une salle autour de deux bustes en marbre d'Albert Marque. Ces œuvres étaient exécutées avec des couleurs pures et vibrantes, qui contrastaient fortement avec la peinture impressionniste à laquelle le public s'était habitué. Parmi ces peintres figuraient Henri Matisse, Charles Camoin, André Derain, Henri Manguin, Albert Marquet et Maurice de Vlaminck. Leurs œuvres ont suscité de vives critiques, avec des commentaires tels que « Ce sont des anarchistes », « C'est incohérent » et « C'est comme jeter un pot de peinture au visage du public ». Mais le commentaire le plus marquant est venu d'un critique d'art influent de l'époque, Louis Vauxcelles, qui comparait les peintures aux couleurs intenses et vives à des animaux sauvages prêts à se jeter sur les sculptures de Marque. Il écrit : « Au centre de la pièce, un torse d'enfant et un petit buste en marbre d'Albert Marque, qui sculpte avec une habileté délicate. La candeur de ces bustes surprend au milieu de l'orgie des tons purs : Donatello parmi les fauves. ". Ce commentaire a eu un impact considérable et le terme « fauvisme » est resté.

Cubisme

Ce mouvement s'est développé au début du XXe siècle, principalement associé aux artistes Pablo Picasso et Georges Braque. Ces artistes pensaient que la manière la plus précise de représenter la réalité était de peindre un objet sous plusieurs points de vue simultanément, créant ainsi une image complète de l'objet tel qu'il est perçu et compris dans l'esprit des gens.

Le terme « cubisme » vient une fois de plus du critique français Louis Vauxcelles du début du XXe siècle. En 1906, il disait à propos des œuvres de Georges Braque : « Braque est un homme très audacieux. [...] Il méprise la forme et réduit tout, les lieux, les figures, les maisons, à des schémas géométriques, à des cubes.

Le cubisme se caractérise par une approche radicalement nouvelle de la représentation de la réalité. Au lieu de représenter des objets et des sujets en utilisant des formes naturelles et des perspectives traditionnelles, les artistes cubistes déconstruisent les formes en les fragmentant et en les décomposant en une multitude de facettes géométriques, créant ainsi une « vision totale » complexe et souvent abstraite de la réalité.

Art abstrait

L’art abstrait est apparu au cours de la première moitié du XXe siècle, mais a véritablement gagné en popularité et en reconnaissance après la Seconde Guerre mondiale. Plusieurs formes d’abstraction se sont développées des deux côtés de l’océan Atlantique. L'abstraction géométrique, l'abstraction lyrique, l'expressionnisme abstrait, le tachisme, l'action painting et la Color Field Painting sont tous des mouvements artistiques abstraits. Parmi ceux-ci, l’abstraction lyrique, l’expressionnisme abstrait et le tachisme partagent plusieurs caractéristiques esthétiques, les rendant difficiles à distinguer. Généralement, le terme « Expressionnisme abstrait » est utilisé lorsque l'œuvre est d'origine américaine, tandis que « Abstraction lyrique » ou « Tachisme » est utilisé pour des œuvres d'autres origines. De plus, les termes « tachisme » et « abstraction lyrique » sont souvent utilisés de manière interchangeable pour catégoriser la même œuvre d'art.

Abstraction géométrique

Ce mouvement est apparu au début du XXe siècle. Il se caractérise par la représentation de formes, de lignes, de couleurs et de structures géométriques pures, souvent dépourvues de références à des objets ou à des formes du monde réel. Les artistes qui pratiquent l'abstraction géométrique cherchent à explorer les propriétés esthétiques des formes géométriques, telles que les lignes droites, les cercles, les carrés, les triangles, les rectangles et les couleurs, de manière non figurative. Des artistes célèbres comme Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Theo van Doesburg et Josef Albers sont des représentants notables de l'abstraction géométrique.

 

Abstraction lyrique et tachisme

Ces deux mouvements sont apparus dans les années 1940 et 1950, principalement en France. Ils se caractérisent par l'utilisation de touches de couleurs spontanées (d'où le terme « Tachisme ») et de gestes énergétiques pour créer des œuvres d'art abstraites.

Les artistes associés à ces mouvements appliquent de la peinture sur la toile rapidement et gestuellement, en utilisant des techniques telles que les éclaboussures, les bavures, les gouttes et la projection de peinture pour créer des formes abstraites et organiques. Les couleurs sont souvent vibrantes et les compositions se caractérisent souvent par un sentiment de liberté et de spontanéité. Les artistes notables associés à l'abstraction lyrique comprennent Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Hans Hartung, Serge Poliakoff et Pierre Alechinsky, entre autres.

Expressionisme abstrait

L'expressionnisme abstrait s'est développé dans l'art américain au cours de la seconde moitié du XXe siècle, principalement après la Seconde Guerre mondiale.

Comme l'abstraction lyrique, l'expressionnisme abstrait met l'accent sur la spontanéité, le mouvement gestuel et l'expression émotionnelle de l'artiste. On pourrait dire que l’expressionnisme abstrait est l’équivalent américain de l’abstraction lyrique européenne.

L’expressionnisme abstrait est généralement divisé en deux approches principales : l’Action Painting et la Color Field Painting. L'Action Painting se caractérise par les gestes spontanés et dynamiques de l'artiste, utilisant son corps et son mouvement pour créer des œuvres abstraites chargées d'émotion. Color Field Painting, quant à lui, se concentre sur l’utilisation de grandes zones de couleurs pures sans gestes expressifs, créant ainsi des compositions abstraites et harmonieuses.

Les artistes notables de l'expressionnisme abstrait incluent Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Barnett Newman, Franz Kline et Clyfford Still, entre autres.


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